Dopo Venezia, The Echo Chamber arriva nelle sale e noi di Affaritaliani.it ne abbiamo condiviso la visione con il pubblico del Cinema Gabbiano di Senigallia, dove già qualche settimana fa Luca Marinelli era stato ospite per presentare Paternal Leaves. Durante quella serata speciale, l’attore aveva parlato in anteprima della sua imminente partecipazione alla Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia con un nuovo progetto.
Quell’opera ha finalmente preso forma sul grande schermo e – come d’abitudine – abbiamo assistito alla proiezione proprio al Cinema Gabbiano, una sala d’essai che continua a distinguersi per una programmazione di altissimo livello artistico, che manterrà ancora per un po’ il film in cartellone per la gioia di tutti i cinefili.
Portato nei cinema italiani dal 10 settembre 2026 da 01 Distribution dopo l’ottima accoglienza in Concorso Principale a Venezia 83, The Echo Chamber è una coproduzione italo-belga firmata da Indigo Film con Rai Cinema e Versus Production.
Il lungometraggio porta con sé un’eredità emotiva e culturale dal valore inestimabile: è nato, infatti, dall’ultima sceneggiatura concepita da Bernardo Bertolucci prima della sua scomparsa, poi scritta e rifinita da Ilaria Bernardini e Ludovica Rampoldi.
Alla regia c’è Andrea Pallaoro, al suo primo lavoro su uno script non interamente farina del suo sacco, affiancato dalle eccellenti maestranze tecniche della fotografia di Diego García, delle scenografie di Gaspare De Pascali e delle musiche curate da Clément Ducol.
Il racconto ruota attorno alla figura di Leo (Luca Marinelli), un affermato e sensibile produttore musicale che vive a Londra, intrappolato nella morsa di un dolore cronico invalidante che devia e condiziona la sua intera esistenza.
L’origine della sua spirale risiede nell’incontro con un’infermiera che, per aiutarlo a lenire una sofferenza fisica persistente, gli fornisce forse con un po’ troppa superficialità una scatola di oppiacei. Per Leo, l’assunzione di quella prima pillola non è soltanto una cura fisiologica; rappresenta una folgorazione quasi spirituale.
Come il protagonista stesso rivela in un passaggio di toccante verità, prendere quel farmaco gli permette per la prima volta dopo anni di “risentirsi se stesso”, regalando un sollievo immediato non solo al corpo, ma anche e soprattutto all’anima. Tuttavia, questo benessere illusorio lo porta, in modo quasi involontario e inconsapevole, ad abusare della sostanza nel disperato tentativo di respirare oltre la morsa del dolore, precipitando in una profonda tossicodipendenza.
Il viaggio di Leo verso la liberazione dagli oppiacei passa attraverso il buio di un’overdose – nella scena iniziale – e la faticosa risalita intrapresa anche grazie ai gruppi di sostegno, sorretta dalla vicinanza di un amico a sua volta ex tossicodipendente. Ma ciò che realmente lo guida in questo percorso non è una secca disciplina clinica, bensì due forze salvifiche universali: la passione viscerale per la musica e l’amore inguaribile per la sua compagna Anne (Alicia Vikander), una presenza costante e impalpabile persino quando l’allontanamento fisico sembra incolmabile.
Parallelamente, l’universo professionale e interiore di Leo si intreccia con quello di Ava May (Susan Sarandon), un’iconica cantante ormai matura che il produttore sta cercando di riportare in studio di registrazione per la creazione di un nuovo album. La sua capacità di saperlo aspettare nonostante i momenti di crisi e la pausa forzata è una delle numerose forme di profondità di sentimento che questo film è in grado di mettere in scena.
In occasione della presentazione a Venezia, il regista Andrea Pallaoro ha spiegato il forte legame con il testo d’origine, dichiarando a Rai Cinema: “Bertolucci mi ha lasciato una mappa di emozioni e di interrogativi, un testo vivo che non voleva essere celebrato, ma abitato; per me girare questa sceneggiatura ha significato confrontarsi con il senso più puro della nostalgia e della creazione artistica”.
Sempre in laguna Luca Marinelli si è espresso sull’intenso significato delle tracce emotive e delle relazioni umane che attraversano la pellicola, dichiarando: “Dobbiamo sempre prenderci cura di ciò che lasciamo sull’altra persona, sugli altri, quando abbiamo la possibilità di pensarci” (FRED Film Radio).
A livello interpretativo, l’intera impalcatura del film regge magnificamente grazie a una scelta di cast impeccabile. È impossibile immaginare altri attori al posto dei protagonisti senza snaturare il risultato finale.
Tra Susan Sarandon e Luca Marinelli scatta un connubio artistico e una chimica di rara potenza: i loro sguardi, i silenzi, i dialoghi serrati ma sempre pacati, senza fretta, creano momenti di cinema puro, toccante ed emozionante. Durante le sessioni di prova per il disco, le interazioni tra Ava e Leo diventano lo specchio di riflessioni esistenziali e confidenze che vanno ben oltre la musica.
Quando Leo, ormai pulito, si trova a fronteggiare di nuovo la morsa implacabile del malessere fisico nudo e crudo, Ava lo ammonisce con dolcezza ma fermezza, ricordandogli che dal dolore non si deve scappare né ci si deve allontanare. In una frase illuminante gli dice: “Io e te sappiamo cosa farne di questo dolore”, mostrandogli come la sofferenza possa essere incanalata e trasformata in pura tensione creativa. È infatti proprio l’assenza dei farmaci, la lucidità riacquistata a prezzo del benessere fisico, che permette a Leo di sentire di nuovo quell’emozione autentica necessaria a produrre una grande arte.
Mentre molta critica si è soffermata sull’interpretazione di una duplice dipendenza — quella dalle sostanze per Leo e una reciproca dipendenza affettiva tossica (parola dell’anno!) all’interno della coppia —, la visione che a mio parere emerge con maggior forza trascende da questo tipo di letture. Il film dimostra al contrario che l’arte e l’amore sono gli unici reali baluardi capaci di salvare l’essere umano dal dolore.
Anche la figura di Ava May, vista da alcuni come una donna dipendente dal ricordo del suo ex, appare invece ai miei occhi in una luce immensamente più matura e serena: la donna ha raggiunto un’età in cui ha vissuto il meglio, e il suo legame indissolubile con quella relazione passata è la testimonianza che i sentimenti autentici salvano e continuano ad esistere oltre l’assenza e oltre il tempo.
Questa bellissima metafora dell’amore invisibile ma potentissimo si riflette nell’interezza della storia. Anne continua ad abitare la vita di Leo anche quando non c’è: emblematico è il gesto della tazza da lui rotta in un momento di rabbia e che lei ha pazientemente ricomposto. Nel bel mezzo di una devastante crisi d’astinenza, quando la tentazione di ricadere nello stordimento del farmaco sembra irresistibile, Leo scorge quella tazza riparata; quel segno tangibile di cura gli permette di resistere e non cedere.
Allo stesso modo, la scena in cui Leo fa ascoltare ad Anne il brano Call My Name — inciso appositamente da Ava May per lei — rappresenta un atto d’amore esclusivo, un ponte emotivo teso verso l’altro per dimostrare che la lotta che sta affrontando è tutta dedicata a lei.
Anche di fronte al clamoroso colpo di scena finale — che la critica ha talvolta giudicato eccessivo non senza fondamento, ma che a un’analisi attenta si rivela coerente con il resto della trama —, la tesi centrale si consolida: l’esistenza umana non ci appartiene mai del tutto.
Possiamo decidere come reagire a un lutto, a una malattia o a un abbandono, ma non possiamo avere il controllo totale sugli eventi. Se “il destino” vuole metterci in ginocchio, ha la forza per farlo; l’unica reale libertà risiede nella scelta di cosa fare di quel dolore.
The Echo Chamber è una pellicola d’autore a mio parere molto ben riuscita, con inquadrature calibrate al millimetro, scenografie avvolgenti e un ritmo volutamente lento e meditativo. Tuttavia non è un film per tutti: richiede la giusta predisposizione d’animo per sostenere un carico emotivo importante, fatto di assenze, vuoti e sofferenze profonde.
In una società abituata a girarsi dall’altra parte di fronte al disagio e alla fragilità, il film lancia un messaggio rivoluzionario: la profondità, la bellezza e la sensibilità fioriscono soltanto dove si ha la capacità di rimanere, di stare accanto a chi soffre e di resistere nel buio.
La programmazione del Cinema Gabbiano prosegue non soltanto con film attuali e molto attesi come Serpenti, Dio ride, The invite e Sogni d’oro, ma anche con ospiti di grande richiamo: il 17 settembre sarà in sala Alessandro Borghi – immediato il sold out – alle 18.15, mentre sabato 19 la mattina sarà la volta di Pierfancesco Favino e Giovanni Veronesi in occasione della proiezione del loro ultimo film Dio ride.
Infine, sabato torna anche l’amato Extra Time: film a sorpresa alle sei di mattina con regista in sala e colazione al termine tutti insieme.